Dr.森本の凝解コラム

　幻想で遊ぶことの面白さを知ってしまうと、ここにあるような総天然色のおもちゃが自然に出来上がる。明るく楽しく、健全なクスリ遊びの世界だ。ただ、他人がおおはしゃぎで遊んでいる様を見せつけられているようで少し不快になるという人にはオススメできない。
　磁石の感覚、照りつける日差し、60年代サイケデリックの影。
　本質が風景的であるが故に、ＳＥは対して効果的に響いていないが、何も無いよりはあった方がいい、という考えで入れられているような感じである。そのおもちゃ感覚がポップサイケにとっては重要なものなのだが、40年近い歳月を隔ててしまうとそれが不気味に変質し、理解不能の「ヘンな音」になってしまう。
　今現在、このような60年代のサイケを聴いて楽しめるのは、時間経過による我々の感受性の変化があったからだ。もし我々の感性が60年代のままなら、この盤を聴いても「当たり前の音楽」としか映らないのであり、古い時代の良さみたいなものを闇雲に模索したところで、それははかない幻想に過ぎなくなってしまう。
　機材、時代、そして人間の考え方も僅かながら変わったのである。あまり音楽を時代の背景として捉えた発言はしたくないのだが、全ての再発盤を新譜として、買ったそのときがその音楽の最も旬な時期と認識して聴くという姿勢がなければ、あらぬ誤解を誘発したり、音楽そのものを無駄死にさせかねない。
　そうならないためにも、私は「現在」を設定せず、再発盤も新譜として聴いている。そう、音楽には鮮度があって、せっかくイキのいいサイケでも「68年のアルバムだ」などという余計な予備知識があったせいで腐ったニオイを放つことだってあるのだ。それは受け手側のエゴなのだが、少しだけ聴き方を変えてやるだけで、全ての旧譜が「新しい音楽」へと生まれ変わるのだから、一度は試してもらいたい方法である。
　音楽を一切知らない人にバッハを聴かせ、これがロックなんだと説明すれば、その人にとってのロックはバッハが基準点となる。つまり、最初の段階で「何も持たなければ」全ての音楽が新鮮な姿で甦るのである。
　これほどまでにリーズナブルかつ単純な方法で、音楽鑑賞をより一層楽しむことができるのだ。一度聴いた音楽だって「忘れてしまえば」いい。そうすればＣＤ一枚で一生楽しめるし、無駄な金を使わなくてもよくなるのである。
　貧しい音楽好きはまず、いままで聴いた音楽を記憶から抹消すべきだ。
　
　

　デビュー40周年。凄いですねぇ。こんなベストも出たし、そろそろジェファーソン・エアプレインも一般的に支持されてもいいんじゃないかと思うが、スペンサー・ドライデンが亡くなったというニュースがほとんど日本で騒がれていない現状を見ると、まだまだ鎖国的な性質が我が国にはあるのか、などと思ってしまう。
　以前デッドのジェリー・ガルシアが急逝したときもそうだったのだが、ロックの偉人が死んだところで、俺たちには関係無い、というような態度を日本のメディアはとっているような気がする。何かの雑誌で故・隅田川乱一氏も指摘していたが、このままの状態だと、日本のロック界で死者がでても、報道機関はいっさい騒がないんだろうな、という不安を強く感じる。たとえば水谷孝や山口フジオが死んだところで、誰もその死を報道しようとしないだろう。本当は絶対的に報道すべき内容だと我々は考えるが、メディアの判断基準というものは曖昧かつ適当なものであるということを、スペンサー・ドライデンの死と、それを大々的に報道したアメリカのマスメディアは浮き彫りにしたのである。

　DIP THE FLAGの中ではこれが一番聴き応えのある作品だと思う。
　やっぱり後のＤＩＰとは全く違う音で、サイケデリック感覚はこちらの方が断然上。ＤＩＰになってからの轟音ギター的なアプローチも嫌いではないが、やはりこの時期の不可思議な感覚がDIP THE FLAGの持ち味としても最高峰だろう。
　この路線でもっと作品を発表してもらいたかったのだが、本盤も既に廃盤となっており、DIP THE FLAG自体に触れることが難しい環境になってしまっているのが残念だ。
　ライヴ盤の方もいいが、よりDIP THE FLAGらしさが出ているのはスタジオ録音の本作。整えられた音が歪んで聞こえるのは、彼らの狂気がダイレクトに封じ込められているからに違いない。
　重要なバンドだと思うのだが、ＤＩＰより評価されていないような気がする。もっと取り上げられるべき魅力はあると思うのだが、なぜだろう？　
　

　この曲はあまりにも霊的であり、サイケデリックをもう一層深く掘り下げた地点で、今も不気味に揺れ続けている。マーク・ボランというシャーマンがいかに本物であったかを語ったならばキリがないが、この曲を一曲だけ聴けば全て了解できるだろう。
　宇宙は不定形だが、そこへ溶け込む我々は定形なのである。アルバム「電気の武者」が僕らに与えてくれた宇宙を、ゆっくりと傍観し、そしてその中へ泳いでいけば問題は無いのだ。
　僕は古びたインチキメーカーのギターで、この曲を何度となく弾いた。意識しなくとも、自然とリバーブがかかったように聞こえ、アンプもエフェクターも通していない音が、極めて美しく転がっていくヴィジョンに何度も驚かされた。そこがマーク・ボランの墓場であり、誕生の瞬間でもあるという事を考慮しても、やはり楽曲そのものの霊性がこのサイケ感覚の根源なのだろう。
　最近になって、Ｔ－ＲＥＸのライヴ盤が出ていたが、どうにも聴く気になれないのは、かつてのアイドルを神棚の裏に隠蔽したくなるような庶民的な習慣が僕の身体に染み付いてしまっているからだ。まったく迷惑な慣性である。もう貧乏クサイことは言わないようにしていたのに…。
　振り向くと、押入れに隠していた筈のマーク・ボランが、ゆっくりと笑っていた。
　どうやら、初めから僕らは踊っていたようである。

　小人の魅せる深淵の風景は、現実的な要因での絶望や希望とはかけ離れている。ピグミーは幻想の中で生き続けるために、結界に似た呪術的防御網で自らの存在を守っているのだ。
　頭士奈生樹という素晴らしい音楽家がいる。これは彼の１stアルバムであるが、以前にも最初期の非常階段やハレルヤズなどに参加していた。
　そんな、アンダーグラウンドの世界では割と知られた存在のミュージシャンであるが、本作はアナログ限定500枚であったため、まだ聴いたことの無いという人たちの方が圧倒的に多いと思う。そんな中、つい最近になって突然彼の３枚目のアルバムが発表され、本作も同時にＣＤで再発された。私はオリジナル盤を持っていたが、もちろんＣＤも買った。そして最近は毎日聴いている。
　頭士奈生樹の宇宙は限りなく幻想的であるし、彼のうたは限りなくやわらかい。深いギターサウンドが描き出す風景は、懐かしく美しい、見たことの無い場所なのである。
　本盤のような秀作が理解されないならば、サイケデリックはもうおしまい。でも、ここにあるような素直な楽曲ほど、評価されにくいものなのかもしれない。純度の高い物質ほど、周りに与える影響は多大なのだから。
　

　決定までのプロセスに特定の意思が介入してしまうと、それは本当の意味で決定などしていないと言える。意思は介入しただけであるが、こういう場合においては本質となる。
　キリストがどこで生まれ、どこで死んだか。
　それは、その問題を考える人間の数だけの解答が用意されているのだ。
　だから、竹内文書と戸来村の関係およびキリストが日本で死んでいたという説を目の前に提示されたところで「へぇ」とか「ふーん」としか答えられない。竹内巨麿の作り出した妄想だ、といって糾弾してもいいし、キリストの墓参りに青森県へ旅立つのも不正解ではないだろう。
　宮沢正一のうたは、メルヘンと現実を同質のものとして溶解させてしまう。このソノシートのＡ面「キリストは馬小屋で生まれた」にしろ、「ぼく」というのはどういう人物なのか？　ということに関しての余計な説明は一切していない。この隠蔽の技術によって、奇妙な恐怖に似た感覚が聴き手を襲う。
　アシッドフォーク、と一言で済ませてしまうには、あまりにも深すぎる内容なので、機会があれば一聴してほしい。再発されたＣＤも現在では廃盤なのだが、根気良く中古店をまわったとしてもこれは聴くべき、そして聴かれるべき一枚である。
　

　ブレイカーズのテープにカビが生えて捨てざるを得なくなった。
　当時、僕の住んでいた部屋はやたらと湿度が高く、畳も箪笥の表面にすらも、うっすらとカビが発生していた。そのせいでずいぶんとたくさんのビデオテープやカセットテープ、機材が使い物にならなくなってしまったのだ。被害は深刻で、カビの力って恐ろしいなぁ、などと言ってられるほど穏やかな状況でもなかったのである。
　真島昌利といえばザ・ブレイカーズ。最高にカッコいい、イカシたビートバンド。そんなブレイカーズのテープがダメになって、僕はそれ以来マーシーの曲を聴いていなかった。
　本作「夏のぬけがら」はブレイカーズ時代の名曲「アンダルシアに憧れて」も収録されていることで有名だが、真島昌利という人の優れた作曲センスにまず驚かされる。ゆったりとしたサイケデリックな楽曲と、マーシーの枯れた歌声は絶品であり、ブルーハーツともブレイカーズとも違う景色を描いている。
　面白いのは、友部正人の曲をマーシーが歌って、ここまでピッタリと合った雰囲気を作り出していることだろう。
　この「夏のぬけがら」はゆったりとした郷愁感覚と、真島昌利本来の音楽性が剥き出しになった傑作である。ブルーハーツよりも、僕はここでの彼が好きだ。とびきり素直でそのままの楽曲に、彼の飾らないボーカルが乗っかることによって、ブルーハーツとは違う青春が顔を出している。
　

　魂ぬかれる。
　これ、意外に思われるかもしれないけど、ＤＩＰの中で一番好きなアルバムだったりする。もちろんディップ・ザ・フラッグとヤマジカズヒデのソロは別物としてだけど。
　スーパー・ラヴァーズ・イン・ザ・サンの、あの歌謡メロディと歪んだギターの調和は素晴らしい発見であると同時に、太古より脈々と流れてきたロックのスピリッツをきちんと踏襲している。ＤＩＰもついにここまで来たかぁ、と随分納得したものである。
　この少し乾いた感覚のアルバムの後に『WEEKENDER』でまた深い混沌のサイケサウンドを打ち出すわけなのだが、個人的にはここでのポップかつソリッドな演奏がベスト。
　最近のＤＩＰも好きだけど、この中期の雑多な感じは、見過ごすにはもったいない魅力を秘めている。
　轟音ギター盤として話題に上る事の多い本作だが、ＤＩＰの魅力は曲作りそのものにあるので、轟音だけのために本作を聴くのはあまりにももったいなさ過ぎる。
　と、さっきからもったいないもったいないと繰り返しているが、ＤＩＰの楽曲にはおびただしい量の情報が含まれているので、もったいなさを感じる人間にとってもかなり満足できる仕上がりになっている。
　１枚で５枚分は楽しめる充実盤。

　「白い冬」のジャパニーズ・サイケっぷりはもはや伝説ですが、他の曲も聴いてください。これはマジにクレイジーです。
　ふきのとう、というグループはいわゆる「軟派なフォーク」として当時の硬派な人たちには忌み嫌われていましたが、今現在ここに詰め込まれた音と真剣に対峙してみると、そのあまりにも純度の高い楽曲に驚き慄くはずです。やたら透明な声とシンプルな演奏は、サイケデリックの構造を無意識に構築してしまっているのです。
　まったく畏怖すべき名盤ですが、この前ちょっと欲しくなってタワレコを探したけど、一枚も置いてませんでした。合掌。

　日本の歌謡曲・ポップシーンにおいてのサイケデリック・モンスター。
　とにかくエコーとシンプルメロディの調和が異次元の物質。
　体験としては効果的なインスピレーションを生まないのかもしれないが、これも一つのアシッド。
　オフコースはポップス・ニューミュージックとしての正しさを見誤ったりしない。絶対的な正当性をシンボルとして前進していく。そこから少しづつ零れだしたサイケデリックが、ひ弱な存在だなんて誰にも言わせない。
　YES-YES-YES。
　真実を虚像として求めるような厚かましいマネはやめた方がいい。

　ジャケは最悪だが、へヴィ好きにはたまらない作品。
　とにかく好きな人は好きという玄人向けハードロック。
　フレッシュブルーベリーパンケーキというような音では無いし、ジャケのようなイメージでもない。
　オリジナル盤はテストプレスのみなので、5000ドル以上するとか。
　今では簡単にCDで入手できるので、興味があるという渋い人にはおすすめです。
　へヴィサイケ・ファン必携の一枚。

　身体がだるい。雨のせいだと思うが、クイックシルバーなんて聴く気になれない日である。
　天使の偽者が何人か訪ねてくるので、すかさず天球の位置に目星をつける。
　さかさまに吊るされた即物的な死と、現実感の無いセールスマンの鞄に入っている口臭防止スプレーの関係が次第に浮き上がってくる。
　橋を渡るときは、なぜだかいつもドキドキする。
　死霊のためのラジオ体操も、今日で終わる。

　ぱっとしないサイケです。ただ、内容はすごくいいんですけどね。聴かないともったいない。
　ばらばらに点在するきっかけと、悲しみが行き場無く交差している。
　おお、なんとやましい良心であろうか。
　類似に敵意を抱くのか、存在の暴力性に怯えるのかは知らない。ただ、匿名の希望として思考されるシステムであるならば、放置しておくに越したことはないのである。
　屍の上に家を建てるのか？

　サイケデリックは妥協してはならない。
　正しい陶酔は秩序だってはならないし、諦念を少しでも感じてしまったらもうアウト。まがい物のレッテルを貼られて無様に漂うだけである。
　レッド・クレイオラのこの音楽は、サイケデリックであることを一身に背負い込んだ本物の演奏であり、わずかな隙間から見える真実さえも極彩色に歪めてしまう、マジカルな儀式だと言える。
　なぜ民俗学者はこのような音を問題にしないのか？
　儀式的なもの、宗教の起源として横たわっている人間の根底にある感覚を無造作につかみ、引っ張り出そうとするのがメイヨ・トンプソンの技法である。だからここにある演奏に飲み込まれてはならない。心地よい陶酔が悪夢へと一変してしまわないように、われわれは細心の注意をはらってコレに接しなければならないのである。
　恐怖と驚きと、始まりを形作るための第一歩。

　昨年くらいから突如再評価され始めたホリーズ。何でいまさらなのか知らないが、多分ＣＭか何かで流れたんでしょう。
　これは彼らの一番サイケな６枚目。ジャケットからしてポップサイケな香りが漂ってますね。
　さて、２分30秒の中でどれだけポップでドラマティックな曲を構成できるだろう？
　限られた時間軸の中で魔的なからくりを封じ込めていく手法は、このホリーズの専売特許である。限りなくポップでキャッチー。そんな２分30秒平均の曲を連発するバンドだったホリーズが、いままで全然と言っていいほど評価されていなかったのが不思議である。
　紙ジャケで日本盤も出ているので、すぐ聴けるようになった感動の名盤。ただモノラルとステレオの同じ曲を一枚のＣＤで通して聴くのは辛いかもしれないけどね。

　青春は必ずしも弾けるような若さだけで構成されているのではないという事実を押し付けてくる迷惑な音楽がこのマニア盤。　さわやかなのか薄暗いのかも分からない演奏は、わりとスタンダードで聴きやすいが、ヘンな重みがあるので何回もリピートはしたくない。
　灰色に薄汚れたどうでもいい夏の思い出が、イヤと言うほど体験できる名作。
　最近は再発ＣＤも見かけないけど、誰もそんなことは気にしてないですね。ただオリジナル盤をいきなり大金出して買うのだけは止めたほうがいいと思います。

　シーザーの本です。これがヤバイのは付録のＣＤに入ってる音源が強烈だから。
　それにしても「シーザーと悪魔の家」って、北欧のブラックメタルみたいな感じのステージ写真ですね。日本を代表するへヴィ・サイケとしてシーザーの名を出さないのはもったいないし、ここになんとなく入れられた楽曲は音質は悪いがサイケ具合は満点。こういうハードロック調のサイケって日本では珍しいよね。他に似た感触のバンドはマキオズくらいかな。
　シーザーの曲って、演奏もうまいし大袈裟にやるもんだから一部ではかなり評判良かったと思う。ただ寺山先生の関係だから、どうしても演劇のワクを外して見ることができなかったんでしょう。当時にきちんと評価されていたら、今の日本のサイケもちょっとは変わってたかもしれませんね。

　反復することに内在する忍耐と、派生する陶酔をくまなく知ることができる。
　あからさまな落書き、ではなく綿密な設計図。何も考えていないようで、実は深く考察された結果であったんだと気づくまでの時間を提供しているのだ。
　ゲッチングのブルース風ギターは、そんな計算を意図的に隠蔽・混乱させるために錯綜している。都市的であり、密室的であると勘違い、もしくは決め付けを行った直後に背後で獣のような原始の響きがとどろく。郵便受けに爆弾に似た愛情が届けられた際に思わず両手で耳を塞いでしまうような恐怖が、わずかばかり顔を出していた。

　宇宙人の春がタコのＢ面最後に入ってて、やたらと掻き毟るようなギターがカッコいいな、などと思っていたら、どこから見つけたのかガセネタの現存する音源を集めたアルバムが出た。
　って、何年前の話だろう。いまさらな感じもあるが、ガセネタの音は古くないよ。というよりむしろ今こそ若いサイケデリック・スピード・フリークスな連中はこれを聴いて本物の凄みを味わってほしい。
　あ、と思っても遅いし、浜野純のモズライトのギターは闇の中から突然切りつけてくる卑怯で怖いもの。前にだれか(連続射殺魔かな)が「シド・バレットの目をしたブースカ」と浜野を形容していたが、当時のハルミの外見もそんな感じだし、このバンドこそ「シド・バレットの目をしたブースカ」なのかもしれない。
　

　一曲目の「私は深い海にしずんだ魚」からいきなりアシッド漬けの世界が広がる。叙情性ではなく、幻覚物質の成分が多く含まれており、精神が不安定なときに聴くとバッドトリップの可能性あり。
　風船は日本のアシッド・フォークを代表するグループだけど、メロディがキレイでオシャレな曲も多いので、サイケファンには素通りされがちだけど、この「おとぎばなし」は強力なのでぜひ一聴を。怠けることと何もできないことの差異を埋めていく楽曲集。
　西岡たかしの闇の部分は、まだまだ隠れている。

　頭の中では困惑しているのに笑顔。
　ごまかしはそこにあって、ぐるぐると回る土台の上で思考を続けながら現状を維持している。
　迷惑な騒音。美しい旋律。吐き気がするような音波。懐かしいフレーズ。
　それらすべてがまやかしだったんだ！
　うれしくなって北東の窓を開けても、神様はやってこないのであって、徹底的に打ちのめされた夕暮れの空気がゆったりと流れていく。
　キラキラと水色に光る、水に関係した映像を欠伸を堪えながら長時間見ているような気だるさ。それが正義であり、常識なのである。
　サイケデリックアンダーグラウンド。ここから来て、どこへ行く？
　

　これぞサイケデリック！　ジャパニーズ・サイケの重鎮である陽水先生が突如発表したリヴァーブかけまくりの完璧にイッちゃってるシングル。これは誰にも批評できないだろう。
　こういう危なっかしい曲を普通にメジャーからシングルで出して、なおかつヒットさせるんだからやはりあのアフロは伊達や酔狂ではなかったのだろう。ピアノもストリングスも、全部リヴァーブが掛かっていて、もはや異次元の楽曲。すげぇよ、これ。
　少年時代というタイトルから覗えるノスタルジーは一切無く、ただただ深く酩酊するトリップ感覚に支配されている。陽水はここへ来てまだシャーマンとしての実力を失っていなかったのである。

　72年のブリティッシュ・フォーク。サイケな香りというよりは時代の空気が密封されており、白昼夢のようなうすぼんやりトリップ感覚を提供。
　かなりクオリティは高いのに知名度は低く、怪しげなレーベルからこっそりとＣＤ化されており、なんでこんな扱いなのかと疑問に思うが、まぁ古いレコードって権利とかいろいろ問題あるんだろうね。
　個人的には５曲目の「Mr. Bojangles」の時点で涙腺が緩むので、これは墓場まで持っていきたいほのぼの盤である。クスリ漬けの一夜が終わった後の早朝、といった音が好きなら買いです。

　昔デパートの屋上にあったアーケードゲーム「魔界村」を思い出すジャケだが、中身はクスリ漬けのマカロニ・ウエスタンといった感じ。一応サイケの名盤ですけど、いままで出てたブートは全て音質が最悪だったり曲数が変だったりするので、サンデイズドから出てるCD以外買わない方がいいです。オリジナル盤なんて何万もの値がついてるし、サイケマニアのせいで良い音楽がどんどん手の届かない場所へ行ってしまうという現状が呪わしい。
　サイケのサは差別のサ、サイケのイは異物のイ、そしてケは貶してくださいという自虐の心。みんな悩んで大きくなったと勘違いする野坂の亡霊が見える。

　近年稀に見るアシッドフォーク。ホープ・サンドヴァルはマジー・スターでおなじみだとして、ワームインベンションズって何？　と思った人多いと思います。これはメンバーが曲ごとにバラバラで、全曲やっているのは元(？)マイブラのドラムだけという企画モノ色の強いユニットみたいです。
　まぁ、ホープ・サンドヴァルのエコー声が聴ければそれだけで満足な僕などにとっては内容なんて無くてもいいようなものなんですが、クオリティはやたら高いです。何も知らない人に「68年のアシッドフォークだ」と言っても疑わないでしょう。シンプルに美しく、そんなありがちなキャッチコピーで充分語れる普遍的名作。頭がとれたら代わりを探すという屍の気持ちと、死後の世界がありがちなミスで無くなってしまうことのどうしようもなさを的確に指摘する音楽。

　ここのところハード・コアばっかだったんで、たまにはポップ・サイケで。
　このハレルヤズのアルバムに何度いい気分にさせられたことか。
　ぎこちないうた、溶けるようなギター。
　サイケってこういう感覚なんですね。もっと評価されてもいいのに、と思っていたらいつの間にか渚にてで柴山氏が復活。それに伴ってこのアルバムも結構売れ、うたものなどという単語で語られるようにまでなったわけです。
　肝心なのは高山"Idiot"謙一や頭士奈生樹といった重要人物がゲストとして参加している点。こんな豪華メンバーで、しかも一番デリケートに音が露出する即興に近いスタイルで録音されているのだから、収録曲のクオリティの高さは聴かずともわかるでしょう。
　本当に名盤だと思います。これ無しで日本語のうたは語れません。と、断言。

　言霊が警報のように一定の高さで鳴り響いた時、呼び起こされるのは純朴な心であって、忌まわしい観念は付随してこない。定説とされているものとは明らかに相違する事象に遭遇し、慌てふためくよりも不思議と落ち着いた気持ちになれるというのは、我々が常にゆれつづけるからである。
　シーンと静まり返ったライブハウスで、宍戸幸司はゆっくりと歌う。その歌はよく聴くと、物凄く普通の日常的な歌詞なのであるが、うたとして発せられたときに突如として会場がサイケデリックに歪む。
　そして、あのギターである。他のサイケバンドのように極端に歪ませたり、リヴァーブをやたらとかけたりといった装飾が、割礼にはまるで無い。飾らないのでは無く、飾れないのだ。割礼の演奏にはまったく無駄が無く、極限までそのままの状態を保持し続ける。
　ゆらめくような割礼の、これはメジャーから出したアルバムであるが、個人的には最高傑作としておきたい。ラストの唐突に終わる「ごめんね女の子」を聴くと、日本語サイケの亡骸が浮かび上がってくるのだが、下北沢のライブハウスで見た宍戸幸司の存在感は確実に現在を生きていた。

　ストーナー！　これが多分一番ヤバイ。後のアースはちょっとしょぼくなっちゃったけど、このときは重くて遅くて最高です。個人的にサブポップの中で一番好きかもしれません。
　最近はめっきり噂を聞かなくなりましたが、一時期死んだとかクスリのやり過ぎで再起不能とかいう噂が広まってて、結局作品もリリースしないから余計亡霊みたいな存在になり、再発もしないので若い人たちは「知らねぇよ」とか言われてしまうのです。ニルヴァーナのボックスも出たことだし、アースのボックスとかも出して欲しい、なんて思ってるのは僕だけでしょうか？

　何故だか思い出せないけれど、以前知人が突然宮沢りえの「サンタフェ」をくれた。引越しのどさくさに紛れてそれは紛失してしまったのだけれど、その写真集をなんとなく見ながら、このAMBOY DUKESの１ｓｔをよく聴いた。
　テッド・ニュージェントのギターが聴きたいのなら、ソロや他のアルバムでもいいが、AMBOY DUKESというガチガチの基本サイケをまず押さえるならここから。とはいえ、サイケというよりもブルース風ハードロックと言った方がイメージし易いかもしれない。
　ハードロックのファンって意外と少なく、そのダサさというか、田舎臭さに耐え切れる人間が年々減ってきているような気がする。子供の頃はみんなツェッペリンだとかディープ・パープルだとか言ってるのに、中学へ入った頃から急にメタルだのパンクだのと言ってカッコつけるというのが現代の児童心理。そのまま大人になって、こういうのを聴き直すのもいいが、できれば多感な学生時代に聴いておきたいアルバムである。ちなみにオリジナル盤はバカ高。

　落ち着きたいと思ってもなぜか立て続けに用事が重なってしまい、休む暇がどんどん削られていく。それでも休日はのんびりとどこかへ行きたいという現代人にオススメ。
　これ、ハワイの女性シンガーのアルバムなんですが、やたらと完成度高いです。質感としてはサイケというよりカントリー。だけど透き通った声とサウンドの裏側にあるものは、万華鏡のように変化し続ける天然サイケデリック模様。いままであんまり評価されてなかったのはただ単に認知度が低かったからか。ちなみに現在ではＣＤで簡単に入手可能。やすらぎと酩酊をミックスせず、敢えて別々に提示しているような斬新さにため息。